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Sep 13, 2023

Doc fängt den Geschmack von „Taylor Macs 24“ ein

Ein mitreißender Blick auf ein Signature-Werk eines brillanten queeren Künstlers. Veröffentlicht am Von Wenn Ihnen der Name Taylor Mac unbekannt ist, könnte er Bilder einer kantigen Pop-Diva hervorrufen, die für a bekannt ist

Ein mitreißender Blick auf ein Signaturwerk eines brillanten queeren Künstlers

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Wenn Ihnen der Name Taylor Mac unbekannt ist, ruft er möglicherweise Bilder einer kantigen Pop-Diva hervor, die für ihre Wildheit bekannt ist, die man gerne sagt, und für die Bereitschaft, in ihr Privatleben einzutauchen, um Material zu finden – und zwar in Wahrheit , da liegst du nicht ganz falsch.

Mac, der das epische Performance-Event im Mittelpunkt der gleichnamigen HBO-Dokumentation „Taylor Mac's 24-Decade History of American Popular Music“ konzipierte, schrieb und aufführte, ist zugegebenermaßen schwer genau zu klassifizieren, obwohl man jede Menge Bezeichnungen verwenden könnte – Schauspieler, Dramatiker, Performancekünstler, Regisseur, Produzent, Singer-Songwriter – um zu beschreiben, was Mac tut. Genauso gut könnte man sich auf seine zahlreichen Ehrungen und Auszeichnungen berufen – Gewinner des „Genius“ Grant der John D. and Catherine T. MacArthur Foundation, Finalist des Pulitzer-Preises, Tony-Nominierter – um deutlich zu machen, wie gut er macht, was er tut. In Wirklichkeit vermittelt keine dieser klobigen, verallgemeinerten Bezeichnungen, wer Mac ist oder was Mac erschafft, was treffender als eine Mischung verstanden werden könnte, die je nach Bedarf zusammenkommt, um etwas Größeres – oder zumindest Provokativeres – als die Summe zu schaffen seiner Teile.

Herausfordernd, messerscharf in seinen Beobachtungen und Kommentaren zur amerikanischen Kultur und bewusst konfrontativ, sind Macs Theaterstücke und Performances auch voller Absurdität und zentrieren sich auf eine komödiantische, trügerisch kampflustige Art und Weise, während sie die gesellschaftlichen Einstellungen dekonstruieren, die so viele unserer Zeitgenossen antreiben. Kulturkriege.“ In keinem Fall (zumindest bis heute) wurden Macs Talente so großzügig in die Struktur einer Live-Aufführung integriert wie im Projekt „24-Decade History“.

Es entstand in Zusammenarbeit mit dem Musikdirektor Matt Ray über einen Zeitraum von etwa einem Jahrzehnt und war ein Hauptwerk, das wie beabsichtigt aufgeführt wurde – als 24-stündiges, immersives Theatererlebnis vor einem Live-Publikum – nur ein einziges Mal, im St. Ann's Warehouse in Brooklyn 2016. Teils Performance-Kunst, teils theatralische Extravaganz, teils Konzert, bot es eine alternative Sicht auf die US-Geschichte, erzählt durch Musik, die in der amerikanischen Kultur seit ihrer Gründung im Jahr 1776 bis 2016 beliebt war. Basierend auf atemberaubenden, kraftvollen musikalischen Darbietungen und gespickt mit Überraschungen und aufschlussreiche historische Interpretation – sowie komödiantisches Geplänkel und formtranszendente Publikumsinteraktion – verwob eine Erzählung, die aus „zwischen den Zeilen“ der allgemein verbreiteten Geschichte zusammengestellt wurde, und enthüllte Dinge wie die beiläufige Bigotterie im Herzen vieler der frühesten populären Lieder Amerikas und die Frauenfeindlichkeit und Homophobie, die seine Musik bis heute durchdringt; Jedem Jahrzehnt wurde eine Stunde gewidmet, wobei Mac für jedes einzelne ein aufwändiges, für die neue Ära spezifisches Kostüm trug – entworfen von der langjährigen Mitarbeiterin Machine Dazzle und mit humorvollen Anspielungen auf das amerikanische Leben in jedem der 24 in der Show behandelten Jahrzehnte; Jede Stunde verließ einer der 24 Bühnenmusiker die Bühne, bis Mac, allein und ohne Begleitung bis auf eine Ukulele, in der letzten Stunde allein gelassen wurde, um Originallieder aufzuführen. Es war ein elektrisierendes „Man musste dabei sein“-Ereignis, ein wahrer Meilenstein im amerikanischen Theater, das Mac sowohl das oben erwähnte Tony- als auch das Pulitzer-Nicken einbrachte – es sei denn, man war 24 Stunden lang Teil der Menge im St. Ann's Warehouse Bei einer Marathonleistung könnte man selbst nie „da sein“.

Dank HBO (und Max, wo die Dokumentation derzeit für Abonnenten gestreamt wird) können Sie jetzt zumindest nah dran sein. Unter der Regie von Rob Epstein und Jeffrey Friedman, die auch produziert haben, bietet „Taylor Mac's 24-Decade History of American Popular Music“ die Möglichkeit, die Show in all ihrer subversiven, seltsam bewegenden Pracht zu erleben – oder zumindest ein „Cliff's Notes“. ” Überblick über seine Highlights – mit einer hautnahen und persönlichen Intimität, die selbst diejenigen, die es live sahen, nicht erlebten. Unterschnitten mit Interviewaufnahmen von Mac sowie seinen Mitarbeitern Ray, Dazzle, Bühnen-Co-Regisseur Niegel Smith und anderen bietet es Einblicke in die technischen Entscheidungen hinter den Kulissen, die darauf abzielten, die Themen der Show zu verbessern und zu verstärken, aber dennoch findet viel Zeit, um die großartigen musikalischen Darbietungen von Mac und seinen Musikerkollegen zu dokumentieren, darunter unter anderem die Sängerinnen Erin Hill, Steffanie Christi'an, Heather Christian, Thornetta Davis und Anais Mitchell – ganz zu schweigen vom 24-köpfigen Orchester der Show und einem Schar erschreckend kooperativer Zuschauer.

Natürlich kann es nicht als Ersatz dafür betrachtet werden, die gesamte 24-Stunden-Produktion, die in sechsstündigen Abschnitten nachgebildet wurde (Aufnahmen von einigen davon wurden im Film neben dem während der Originalproduktion gedrehten Material verwendet) für eine spätere nationale Produktion zu sehen Tour nach dem St. Ann's-Auftritt. Dennoch gelingt es ihm besser als den meisten Performance-Dokumentarfilmen, die elektrische Energie eines Live-Auftritts von jemandem einzufangen, der von Genie berührt ist, wie Mac es sicherlich ist, was letztendlich dem wahren Zweck des Films dient, indem er eine queere Sicht auf die Geschichte dokumentiert, die der heteronormative „ „Mainstream“ würde am liebsten im Verborgenen bleiben.

Diejenigen, die Einwände gegen die Nuancen gut recherchierter Einsichten und zeitgenössischer Interpretationen haben, die Mac in die Struktur seines Auftritts einwebt, gehören wahrscheinlich zu denen, die durch das bevorzugte Pronomen des Stars – „Judy“ – verwirrt und nicht ganz aufgeschlossen dafür sind Die Art von Präsentation, die Judy nutzt, um Judys Standpunkt zu verdeutlichen. Nichtsdestotrotz wischt die Kühnheit, mit der Mac Judys Bühnenpersönlichkeit einflößt, schnell Vorstellungen von „unangemessen“ oder „anstößig“ weg, um deutlich zu machen, dass Judys Absicht lediglich darin besteht, die Wahrheit über Judys Welt so laut herauszubrüllen, wie Judy es je getan hat, und wenn überhaupt, sogar etwas davon lässt ein paar Konservative des Mittleren Westens ihre Perlen etwas fester umklammern, nun ja, das fühlt sich umso besser an, wenn man Macs klar dargelegte Agenda bedenkt.

Diese Agenda, die der begabte Mac schon früh festgelegt hat, soll uns daran erinnern, dass unsere Geschichte als Amerikaner in der Geschichte unserer Lieder liegt und dass diese Geschichte von Außenseitern und Außenseitern geprägt wurde, die eine Vision für eine bessere Welt im Jenseits sahen die toxischen Denkweisen und sozialen Hierarchien, die viele, wenn nicht die meisten Menschen davon abhalten, auch nur annähernd die wahre Freiheit zu erreichen, die von den Vorfahren unserer Nation in ihren Schwangerschaftsjahren angepriesen wurde. „Ich liebe die Idee, dass ein queerer Körper zur Metapher für Amerika werden könnte“, erzählt Mac der Kamera (und dem Live-Publikum) und erinnert uns daran, dass es das Gemeinschaftsgefühl, das gemeinsame Bedürfnis ist, das uns durch das mitteilt Musiklandschaft, geformt durch unsere nationale Chronologie.

Natürlich ist der Dokumentarfilm, der mit Liedern von „Yankee Doodle“ und „My Old Kentucky Home“ bis hin zu „Gimme Shelter“ und „Born to Run“ einen kraftvollen Vorgeschmack auf die charismatischen und talentierten darstellerischen Fähigkeiten von Mac und Co. liefert, auch atemlos unterhaltsam , und das ist auch keine schlechte Sache. Auf jeden Fall handelt es sich um ein mitreißendes und einprägsames Dokument eines herausragenden Werks eines der brillantesten queeren Künstler Amerikas, weshalb es für uns unverzichtbar ist, es sich anzusehen.

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Als Barbie ist jeder Tag perfekt. Du kannst tun und lassen, was du willst, und alles sein, was du sein willst, sei es Model Barbie oder Präsidentin Barbie, und das ist einfach der natürliche Lauf der Dinge.

Wenn Sie jedoch keine Barbie sind, könnte es mehr als nur ein bisschen wie ein Barbie-Privileg aussehen. Dies ist natürlich ein Perspektivwechsel, den die Filmemacherin Greta Gerwig in ihrem neuesten Film vorgenommen hat, der die gleichnamige Puppe ins Spiel bringt Nachdem sie eine unerwartete existenzielle Krise durchlebt, sucht sie in der „realen Welt“ nach Antworten und versucht, daraus etwas Tieferes als einen protzigen, überbewerteten Spielzeugwerbespot zu machen, der sich als Blockbuster auf der großen Leinwand ausgibt. Es ist nicht das einzige, aber es ist das offensichtlichste, und die meisten der unerklärlicherweise vehementen Kritiker des Films heucheln Empörung über das, was sie für „aufgeweckte“ Propaganda halten.

Es ist sicherlich wahr, dass „Barbie“ voller Botschaften steckt, die Konservative verabscheuen. In dem von Gerwig gemeinsam mit seinem Partner Noah Baumbach verfassten Drehbuch existiert Barbieland durch die Fantasie aller Kinder, die mit ihr spielen; Jede Barbie (und jeder Ken) lebt dort, aber die Handlung konzentriert sich auf ihre „stereotypen“ Iterationen (Margot Robbie und Ryan Gosling), die gezwungen sind, sich mit den Unterschieden zwischen der idealisierten Utopie, in der sie leben, und der noch weit entfernten Utopie auseinanderzusetzen. perfekte Realität, bewohnt von ihren menschlichen Gegenstücken. Niedergeschlagen will Barbie einfach nur nach Hause – doch nachdem Ken eine Welt gesehen hat, in der die Männer das Sagen zu haben scheinen, kommt ihm eine andere Idee.

Es versteht sich von selbst, dass diese Prämisse Gerwigs Film reichlich Stoff für kulturelle Kommentare liefert, und er hält nichts zurück, da er mit spürbarer Freude auf alle üblichen Ziele losgeht, so dass es keine Überraschung ist, dass ein Teil der Bevölkerung sich darüber aufregen würde .

Was vielleicht weniger vorhersehbar ist, ist das Ausmaß der Feindseligkeit, die dem Film von Seiten entgegengebracht wird, von denen man erwarten würde, dass sie ihn begrüßen. Dies könnte an Barbies „problematischem“ Image liegen, das durch die jahrzehntelange Kritik derjenigen getrübt wurde, die (nicht zu Unrecht) die ikonische Puppe – und das Unternehmen, das sie verkauft – für die Förderung eines idealisierten, männlich definierten Images kritisiert haben der Weiblichkeit und untergräbt die angebliche Botschaft der weiblichen Ermächtigung, indem gleichzeitig ein unrealistisches Körperbild für Frauen geschaffen wird; Seien wir ehrlich, es gibt Menschen, die Barbie aus diesen und weiteren Gründen einfach nicht mögen und es nie tun werden.

Da der Film diese Kontroversen jedoch klar thematisiert und versucht, sie zu überwinden und eine weiterentwickelte Manifestation der Figur zu erreichen, könnte man versucht sein zu vermuten, dass hinter der Abneigung gegen die eigentliche Idee dieses Films, die so viele Menschen zur Herabwürdigung zwingt, mehr steckt es unaufgefordert in ihren Social-Media-Feeds; Und da „Barbie“ – trotz abfälliger Äußerungen der Oberflächlichkeit, die vom Moment seiner Ankündigung an unauffällig gegen ihn erhoben wurden – in seinem ehrgeizigen Bemühen viel tiefer geht als die vorhersehbar spaltenden politischen Konstrukte der sogenannten „Kulturkriege“. mehr zu sein, als wir erwarten, könnten wir aus aufschlussreicheren Gründen möglicherweise weiter in diese Tiefen blicken.

Zunächst einmal führt der Weg, den der Film zur Lösung seiner Handlung einschlägt, durch viele Ideen, die für die Abgestumpfteren unter uns leicht wie ein Lippenbekenntnis wirken können. Die Vorstellung, dass Empathie, das Sehen, wie es ist, in die Lage eines anderen zu schlüpfen, alle Probleme der Welt lösen kann, ist so vertraut, dass man sie auf eine Plattitüde reduzieren kann; Es ist ein schönes Gefühl, aber nur die romantischsten Optimisten können von seiner Glaubwürdigkeit und vielleicht auch von seiner Aufrichtigkeit überzeugt werden. Vor diesem Hintergrund ist es leicht zu verstehen, warum so viele Menschen dazu neigen, sich seiner warmen und gemütlichen Ausstrahlung zu widersetzen.

Dann ist da noch die vielfach publizierte Flut an filmischen Anspielungen – Einflüsse, denen Gerwig in ihrer Behandlung von „Barbie“ eine schwindelerregend ausführliche Reihe schamloser Anspielungen zugefügt hat – die ab der ersten Sequenz des Films als „Easter Eggs“ auftauchen und ohne Pause weitergehen praktisch über die gesamte Laufzeit. Von „2001: Odyssee im Weltraum“ bis „Blade Runner“, von „Der Zauberer von Oz“ bis „Die Regenschirme von Cherbourg“ gestaltet sie ihre Bilder liebevoll, um Verbindungen zu unzähligen Klassikern herzustellen, die ihr offensichtlich meisterhaftes Verständnis davon geprägt haben Kino – aber während diese für Filmfans mit einer Vorliebe für Kleinigkeiten vielleicht Spaß machen, bringen sie dem durchschnittlichen Zuschauer, der wahrscheinlich noch nie etwas von Jacques Demy gesehen hat, nicht viel, geschweige denn, dass er sich mit der Verwendung von Farben bei der Herstellung der Filme auskennt „Look“ eines Films. Tatsächlich könnte sich das Wissen um die Existenz solcher Elemente sogar wie ausgrenzender intellektueller Snobismus anfühlen.

Doch nachdem wir den Film aus erster Hand erlebt haben, kommen uns solche Gründe wie Ausreden vor, Rationalisierungen zur Rechtfertigung einer Abneigung, die auf etwas Persönlicherem – und vielleicht Unbequemerem – beruht als die rhetorischen Haltungen, die oft die Analyse und Beurteilung von Filmen oder anderen Filmen dominieren Kunstform. Auch wenn sie sich nicht dafür entschuldigt, dass sie sich für feministische Ideale oder andere zentrale „liberale“ Prinzipien einsetzt, die sie vertritt, so wagt sie dennoch die Behauptung, dass die Probleme der Welt nicht dadurch gelöst werden können, dass man einfach den Status quo auf den Kopf stellt. Es mag einige amüsante Witze über „Das Patriarchat“ geben, aber als es zu Ende ist, stellt „Barbie“ fest, dass es nicht wirklich die Lösung sei, es abzureißen, wie viele von uns es sich vorstellen – und das ist ein beängstigendes Konzept für jeden, der in die Idee investiert ist, dass es so ist.

Es gibt viele herausragende Momente in „Barbie“ – und ja, das kann man als eindeutige Empfehlung für den Film auffassen, der sich für uns wie eine disruptive „Wahrheitsbombe“ anfühlt, die über ein bonbonfarbenes Trojanisches Pferd ins Herz der zeitgenössischen Kultur gefeuert wird und bietet hervorragende und vielschichtige Darbietungen, nicht nur von den beiden oft gescholtenen Hauptdarstellern, sondern auch von einer Reihe von Nebendarstellern wie Kate McKinnon und America Ferrera (die es aufgrund ihrer Stärke verdient, beim Oscar-Rennen im nächsten Jahr eine Spitzenreiterin zu sein). allein schon der atemberaubende Monolog) – aber zwei davon fangen das Wesentliche ein. Das erste ist ein „Forrest Gump“-artiger Austausch zwischen Barbie und einer älteren Frau auf einer Parkbank, der nur aus sechs Wörtern besteht; Berichten zufolge wollte das Studio, dass es gestrichen wird, aber Gerwig – der auf vollständiger kreativer Kontrolle bestand, bevor er den Auftrag annahm – lehnte das Zugeständnis ab. Es ist eine transzendente Berührung, und ihre Kraft ist unbeschreiblich, also belassen wir es dabei.

Der zweite kommt später, als Barbie einer mysteriösen Frau (Rhea Perlman) anvertraut, auf die sie scheinbar zufällig stößt: „Die reale Welt ist nicht das, was ich dachte“ – worauf sie die Antwort erhält: „Das ist sie nie.“

Wenn man sagen kann, dass „Barbie“ eine Moral hat, dann wahrscheinlich diese – und zwar eine, die die Menschheit seit Jahrhunderten bis ins Mark erschüttert.

Ist es ein Wunder, dass so viele Menschen, die glauben, in ihren unbestrittenen und vorprogrammierten persönlichen Illusionen sicher zu sein, diese Botschaft nicht hören wollen?

Aber was wissen wir? Geschmack ist, wie das Leben selbst, eine subjektive Erfahrung, und die einzige Meinung, die jemals zählt – zumindest für Sie – ist Ihre eigene.

Neuer Dokumentarfilm feiert Premiere beim OutFest

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Wir wissen, dass Sie von Studio 54 gehört haben, dem legendären New Yorker Tanzclub, der fast zum Synonym für den hedonistischen Lebensstil der Disco-Szene der 1970er Jahre wurde, aber bevor er überhaupt seine Türen öffnete, gab es bereits Studio One, und falls Sie es gehört haben Davon sind Sie wahrscheinlich aus Los Angeles.

Der West Hollywood-Nachtclub wurde 1974 von Miteigentümer Scott Forbes im Obergeschoss eines Möbelgeschäfts gegründet und war während des Höhepunkts der Disco-Jahre bis zu seiner Schließung im Jahr 1993 ein Hotspot in LA. Ausdrücklich als Zufluchtsort für schwule Männer konzipiert. Es war bekannt für seine junge Kundschaft, seine prominenten Gäste und seine notorisch hedonistische Atmosphäre. Mit der Eröffnung von „The Backlot“, einem angrenzenden Veranstaltungsort, in dem einige der größten „A-List“-Acts der Ära auftraten, wurde es noch attraktiver.

Die Geschichte von Studio One wurde lange begraben und vernachlässigt, von der skandalträchtigen Saga seines bekannteren Cousins ​​in Manhattan überschattet und in den Schatten gestellt, aber dank des Filmemachers Marc Saltarelli erhält sie endlich ihren gebührenden Platz als wegweisender Teil der queeren Kulturgeschichte . Sein Film – „Studio One Forever“, ein Dokumentarfilm, der die dekadente Herrschaft des Nachtclubs als Königin des queeren Nachtlebens in LA dokumentiert und die Bemühungen zur Erhaltung des Gebäudes verfolgt, in dem er untergebracht war – feiert am 18. Juli seine Weltpremiere beim OutFest in LA Obwohl es vielleicht noch nicht einem breiteren Publikum zugänglich ist, wird es als wichtiges Dokument einer Ära, in der die queere Kultur – durch das Phänomen der Disco – in den Mainstream eindrang, mit Sicherheit Aufmerksamkeit erregen.

Umrahmt von der modernen Geschichte ehemaliger Gönner, die heute lokale Gemeindevorsteher sind und die Kampagne zur Rettung des historischen Gebäudes des Clubs vor dem Abriss anführen, handelt es sich um eine weitreichende Erkundung des Erbes von Studio One, die sich stark auf Archivmaterial, persönliche Erinnerungen und Rückblicke stützt , um eine Geschichte ans Licht zu bringen, die größtenteils im Verborgenen stattfand – oder so weit es für einen Nachtclub möglich war, der von einigen der größten Stars Hollywoods, sowohl neuen als auch alten, frequentiert wird. Es ist eine fesselnde Uhr voller Interviews mit Promis aus der Nachbarschaft von Studio One wie Bruce Vilanch, Chita Rivera, Thelma Houston, Melissa Rivers, Julie Budd und anderen und voller anekdotischer Leckerbissen sowie bestätigenden Zeugenaussagen, die ihnen das Gewicht gelebter Erfahrung verleihen; Darüber hinaus bietet es einen mikrokosmischen Blick auf das queere Leben von der schwindelerregenden Freiheit der sexuell befreiten 1970er Jahre über die Dezimierung durch die AIDS-Ära und darüber hinaus bis hin zu einer Zeit, in der sich Überlebende dieser Zeit ermächtigt haben, ihre eigene Geschichte zurückzugewinnen – etwas, das wird Durch die umfangreichen fotografischen Aufzeichnungen des Lebens im Club selbst ist es fast greifbar geworden, vieles davon wurde durch eine zufällige Entdeckung ermöglicht, die im Film behandelt wird und den wir nicht verraten wollen.

Als wir vor dem Debüt seines Films mit Saltarelli sprachen, erfuhren wir, dass er zwar nach seinem Umzug nach Los Angeles im Jahr 1984 im Studio One gewesen war, sein Interesse, einen Film darüber zu drehen, jedoch erst 2018 begann, als ihm ein Freund und ehemaliger Backlot-Produzent von einem Wiedersehen erzählte Party für den Club, die dazu beitragen sollte, Unterstützung für eine „Save the Factory“-Kampagne zu sammeln, in der Hoffnung, die Stadtbeamten von West Hollywood davon zu überzeugen, dass der Raum, der einst den legendären Club beherbergte, es wert war, gerettet zu werden. Ihm wurde nahegelegt, dass die Geschichte einen guten Dokumentarfilm abgeben würde.

„Ich war im Club, als ich 19 war, nachdem ich aus Illinois gezogen war, und ich hatte diese Erinnerungen – aber ich hatte keine Ahnung, was vor oder nach meiner Ankunft dort passiert war“, erzählt uns Saltarelli. „Also begann ich mit der Recherche, und die Frauen, die ‚Save the Factory‘ ins Leben gerufen hatten, hatten ein 30 oder 40 Seiten langes, detailliertes, historisches Dokument zusammengestellt – es hatte tatsächlich den offiziellen Status eines Denkmalschutzes –, in dem sie eine interviewten Viele Leute, die ich später interviewen würde. Als ich das las, dachte ich: „Wow, das ist eine erstaunliche Geschichte, von der nicht viele Leute wissen.“ Das habe ich auf keinen Fall getan.“

Natürlich gab es Finanzierungsschwierigkeiten und andere logistische Hindernisse, die geklärt werden mussten, bevor er mit dem Projekt beginnen konnte, aber dank einer Verschiebung des geplanten Wiedersehens konnte der Filmemacher rechtzeitig alles zusammenbringen, um diesen Anlass zu filmen. inklusive ausführlicher Interviews mit ehemaligen Gästen, die wie früher in der Schlange vor dem Einlass standen.

Er erhielt auch Zugang zu Filmen im Inneren des Gebäudes, was ihm die Gelegenheit gab, eine Kerngruppe ehemaliger Studio One-Stammgäste – darunter John Jude Duran, ein Mitglied des Stadtrats von West Hollywood und langjähriger Bürgermeister der Stadt – zu versammeln, um vor der Kamera in Erinnerungen zu schwelgen in dem Raum, in dem sie so viele Stunden ihres jüngeren Lebens verbracht hatten.

„Wir konnten den Barkeeper des Clubs, Michael Koth, an seiner alten Station filmen“, sagt er, „was wirklich erstaunlich war.“ Koth, der seinen Gästen einst Kokain-Kokain-Sorten an die Bar stellte, ist heute ein angesehener Gesundheits- und Wellness-Praktiker.

Die eklatante Förderung des Drogenkonsums im Studio One ist nur einer der weniger angenehmen Aspekte, die Saltarelli in seinen Dokumentarfilm einbezieht, auch wenn es die freudige Nostalgie, die ihn durchdringt, nicht beeinträchtigt. Ein weiterer Grund ist die unvermeidliche Diskussion über die gut dokumentierten rassistischen und klassistischen Zulassungsrichtlinien des Clubs, die selbst im „Pre-Wake“-Umfeld der 1970er und 1980er Jahre zu Kontroversen und Protesten führte.

„Die Vision von Scott Forbes war es, einen Ort nur für schwule weiße Männer zu schaffen“, erzählt uns Saltarelli. „Er hat es nicht direkt gesagt, aber er verfolgte die ‚Keine offenen Schuhe‘-Politik, um Frauen fernzuhalten, und er wollte nicht, dass farbige Menschen daran teilhaben. Sie mussten drei Arten von Ausweisen haben, manchmal war das einfach lächerlich.

„Scott hatte seine Fehler. Ich glaube nicht, dass er ein Rassist war, aber er war ein Geschäftsmann, und es war eine geschäftliche Entscheidung – und die Zeiten waren anders. Es geht nicht darum, Scott zu verunglimpfen, aber ich wollte es nicht beschönigen, es ist so, wie es war. Manche Leute leugnen es, aber ehrlich gesagt liegt das daran, dass sie weiß sind und es nie gesehen haben.“

Obwohl „Studio One Forever“ von Natur aus einen lokalen Schwerpunkt hat, freut sich Saltarelli über die Begeisterung für sein Projekt aus dem ganzen Land – und er glaubt zu verstehen, warum es bei so vielen Leuten, die den Club noch nie betreten haben, Anklang findet „Es ist eine universelle Geschichte für unsere queere Community“, sinniert er. „Es repräsentiert unsere Jugend, unser Erwachsenwerden, es spiegelt nicht nur unglaublich glückliche Zeiten wider, sondern auch die Tragödie der Achtziger, die uns noch immer begleitet. All diese Emotionen und Erinnerungen kommen zurück und die meisten Menschen auf diesen Fotos sind leider nicht mehr unter uns.

„Ich denke auch, dass es eine Möglichkeit ist, die Menschen zu ehren, die so viel gegeben haben. Sie haben nicht um den Tod gebeten, aber ihretwegen wurden wir als Gemeinschaft mobilisiert und deshalb konnten wir weitere Rechte durchsetzen – auch wenn einige Leute jetzt versuchen, diese abzuschaffen.“

Tatsächlich werden auch queere sichere Räume wie Studio One gelöscht, selbst im LGBTQ+-Mekka West Hollywood – was die Geschichte, die Saltarellis Film erzählt, noch wertvoller macht.

Großes Spielerensemble in einer Geschichte, die unvorhersehbare, absurde Wendungen nimmt

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Es ist hart, ein Wes Anderson-Fan zu sein.

Wenn Sie einer sind, wissen Sie genau, wovon wir sprechen. Die Arbeit von Amerikas exzentrischstem Filmemacher zu lieben bedeutet, die Tatsache zu akzeptieren, dass es immer eine beträchtliche Anzahl anderer Menschen geben wird, die es nicht ertragen können, und dass jeder Versuch, jemandem, der es nicht mag, zu erklären, warum man seine Filme mag, auch nicht annähernd so ist Es gibt viel Potenzial, um als Gespräch über Politik zu spalten, auch wenn zugegebenermaßen viel weniger auf dem Spiel steht.

Es bedeutet auch, sich mit der Tatsache abzufinden, dass seine skurrile Regieästhetik, die seit Jahrzehnten von TV-Shows wie „Die Simpsons“ und „SNL“ parodiert wird, zur Inspiration für eine massive Explosion von KI-gestützten Parodien in allen sozialen Medien wird – ist mittlerweile in der Populärkultur als leichtes Ziel für Satire verankert und mit ziemlicher Sicherheit mehr Menschen als Zielscheibe eines Witzes denn als stilvolle Arbeit eines akribischen Autors bekannt. Fairerweise muss man allerdings sagen, dass die Witze meist witzig sind und viele dieser Anspielungen von Anderson-Fans selbst gemacht wurden, als Hommage an den einzigartigen feenhaften Filmstil, den sie lieben.

Der neueste Film des Regisseurs, „Asteroid City“, wird bestimmt reichlich Stoff für hitzige Debatten und hochkarätige Bemerkungen liefern; tatsächlich ist es so ein „Wes-Anderson-Film“, dass man manchmal das Gefühl hat, er würde sich über sich selbst lustig machen – und ob das gut ist oder nicht, hängt vielleicht davon ab, wie man allgemein über Wes-Anderson-Filme denkt.

Es zu erklären ist kompliziert, aber wir werden es versuchen.

Der Großteil des Films spielt in einer fiktiven Touristenstadt im Südwesten der USA, die 1955 an der Stelle eines antiken Meteoriteneinschlags errichtet wurde. Es handelt von einem unerwarteten und mysteriösen Ereignis, das sich dort während einer Tagung junger Astronomen ereignet, sowie von den daraus resultierenden Auswirkungen auf deren Leben. Doch auch die fiktive Stadt selbst ist fiktiv, die Schöpfung des berühmten Mid-Century-Dramatikers Conrad Earp (Edward Norton), und die Geschichte, die wir sehen, ist tatsächlich sein berühmtestes Stück; Gleichzeitig zeichnet der Film diese Hintergrundsaga auf, wie sie in einer klassischen TV-Anthologieserie erzählt wird, einschließlich „Nachstellungen“ entscheidender Episoden, die während der Entstehung und Produktion des Stücks selbst stattfanden.

Bei den Charakteren liegt das Hauptaugenmerk auf dem ehemaligen Kriegsfotografen Augie Steenbeck (Jason Schwartzman), dessen genialer jugendlicher Sohn (Jake Ryan) auf dem Kongress geehrt wird. Außerdem gibt es einen berühmten Filmstar (Scarlett Johansson) und ihre Tochter (Grace Edwards), eine weitere Preisträgerin. Andere in der Mischung sind Augies missbilligender Schwiegervater (Tom Hanks), ein Armeegeneral, der als Gastgeber der Veranstaltung fungiert (Jeffrey Wright), der lockere Stadtmechaniker (Matt Dillon) und der höflich brillante Astronom, der für das örtliche Observatorium verantwortlich ist (Tilda Swinton) und der zwielichtige Manager (Steve Carrell) des einsamen Motels der Stadt, in dem die gesamte Besuchergruppe wohnt. Sozusagen abseits des Geschehens lernen wir auch den begabten Regisseur (Adrien Brody) und bahnbrechenden Schauspiellehrer (Willem Dafoe) kennen, der dabei geholfen hat, das Stück zum Leben zu erwecken, sowie den strengen, aber freundlichen Fernsehmoderator (Bryan Cranston). soll angeblich alles leiten. Und das sind nur die prominentesten der zwei Dutzend bedeutenden Charaktere des Films.

All das scheint viel zu sein, selbst für einen Wes-Anderson-Film, in dem es normalerweise um ein großes Ensemble von Schauspielern in einer Geschichte geht, die unvorhersehbare (und oft absurde) Wendungen nimmt. Berücksichtigt man noch das Element einer kitschigen Hommage an die nostalgischen Science-Fiction-Filme von früher, komplett mit UFOs und all den außerirdischen Verschwörungstheorien, die sie mit sich bringen, wird deutlich, dass es hier viele Ebenen gibt.

Doch diese Elemente sind lediglich eine Prämisse, eine Einbildung, die die Regeln eines Spiels festlegt, das von dort aus noch mehr „Meta“ erhält. Schauspieler treten in einer Doppelrolle auf, sowohl als ihre Figur in der zentralen Erzählung als auch als fiktiv-realistische Darsteller, die sie darstellen; Es gibt eine scheinbar in sich verschmelzende Stilumkehr, bei der ein Theaterstück als zeitgenössischer Film erlebt wird, die „wahre“ Geschichte über dieses alte Stück als klassische TV-Dokumentation inszeniert wird und vermeintliche Ereignisse aus dem wirklichen Leben dargestellt werden als Szenen aus einem Theaterstück – ein Spiegelsaal-Muster, das die vierte und unsichtbare Perspektive eines echten Publikums – also uns – suggeriert, das den Film selbst betrachtet. Wie sich herausstellt, soll es in Andersons Film vielleicht schon immer um uns gehen.

Selbst wenn diese Interpretation auf dem richtigen Weg ist, gibt es immer noch viel Raum für den charakteristischen Wes Anderson-Stil, der in diesem Fall zu neuen Höhen der Übertreibung geführt wird; Die bekannte Pastellfarbpalette ist jetzt übersättigt und erinnert an handgetönte Vintage-Postkarten oder die grellen Technicolor-Farben des Kinos der 1950er Jahre. Diese Verbindung wird durch unzählige Anspielungen auf ikonische Filme dieser Zeit unterstrichen, darunter Johanssons Image als sowohl eine von Hitchcock inspirierte eisige Blondine als auch eine erdige Ava Gardner-artige Sexgöttin, mit einer Prise Liz Taylor als Zugabe.

Dann ist da noch die unausweichliche Tatsache, dass der Film in der Mitte des 20. Jahrhunderts spielt und nicht nur an die kitschige „Alien-Panik“ erinnert, die der Science-Fiction-Film „Asteroid City“ liebevoll verspottet, sondern auch an die starke Strömung weltweiter Traumata, die in Kunst und Kultur entstanden ist der Ära. Nach zwei Weltkriegen und einer Bombe, die ihrer Psyche die permanente Gefahr eines nuklearen Weltuntergangs bescherte, war die Menschheit – verständlicherweise – damit beschäftigt, einen Sinn in einem Universum zu finden, das sich plötzlich gleichgültig anfühlte, und die Künstler der Zeit waren die Vorreiter bei der Suche. Da sich Andersons verwirrend postmoderne Neuzusammenstellung dieser Elemente auf ein imaginäres Theatermeisterwerk konzentriert, das aus diesem Zeitgeist hervorgegangen ist, ist es schwer, nicht eine Verbindung zu unserer eigenen Zeit zu erkennen, in der neue tägliche Bedrohungen uns dazu zwingen, einen ähnlichen Zustand zu ertragen ewige existenzielle Krise. Auf jeden Fall ist Andersons vertraute Mischung aus altkluger Launenhaftigkeit und melancholischer Nostalgie dieses Mal mit einer tieferen Traurigkeit angereichert, auch wenn dies durch ein leichtes Herz wirkungsvoll ausgeglichen wird.

Was uns jedoch auf einer persönlicheren Ebene auffällt, ist der subtile, aber bedeutsame queere Kern, der aus der Schaffung des Stücks im Film durch ein tragisches Genie im Tennessee Williams-Stil stammt – dessen vermeintliche Queerheit in einer Szene zu exquisit bestätigt wird orchestriert, um zu verderben. Es scheint eine Kleinigkeit zu sein, aber es fühlt sich eher wie eine Anspielung auf den unbesungenen Einfluss queerer Künstler an, deren Außenseiterstatus ihnen im Laufe der Geschichte einen Beobachterstatus verschafft hat und die eine wichtige Rolle dabei gespielt haben, den Rest der Gesellschaft zu zeigen die Dinge, die es selbst möglicherweise nur schwer erkennen kann – wie es die besten Künstler immer getan haben.

Wir könnten noch mehr über diesen Film sagen – die großartigen Darbietungen, die eine Fülle emotionaler Bandbreite innerhalb der „Andersonschen“ Parameter der ausdruckslosen Darbietung der Besetzung bewältigen; die unglaublich kitschige handgemachte Landschaft; der selbstreferenzielle Humor, der unter so vielem von dem, was auf der Leinwand erscheint, brodelt – aber wir werden es nicht tun. Wenn Sie ein Fan sind, möchten Sie die Details selbst herausfinden.

Wenn nicht, wissen wir, dass nichts, was wir sagen können, Sie davon überzeugen wird, es trotzdem anzusehen, und das ist wahrscheinlich das Beste.

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